ARTSIDA 2013

Is not only about giving is about caring!

 

ARTSIDA exhibit at Galerie Dentaire (1239 Ahmerst), from April 20th to May 3rd.

 

Auction at the Musée d’Art Contemporain on the 4th of May at 17:30.

 

I am a little too young to have lived trough the core of the first days of it would turn out to be the biggest pandemic of present and last generations. It was the and still is the cause of many deaths, but also of a cultural upheaval towards the lack of response of the conservative governments of Reagan and Thatcher.

HIV and AIDS caused struggles mainly in the gay community and with the pandemic came a wave of stigmatization and shame. AIDS came to be considered by some as a just punishment for immoral and irresponsible behavior.

The actions of activist groups, mainly ACT-UP (AIDS Coalition to Unleash Power) helped immensely on the development of treatments and the approval of the FDA. Their sometimes-aggressive activism also raised the AIDS pandemic to a topic of political relevance.  For the man and women infected in the 80′s and 90′s silence equated death.

Even though in the first world AIDS has become more a chronic illness rather than a death sentence, SILENCE still equates countless and unnecessary infections. Not to mention that in impoverished and highly religious societies it is still the cause of human devastation.  Ignorance is a main component of the trouble stopping AIDS. In Montreal there are approximately 500 new cases per year.

Five years ago the ACCM (AIDS Community Care Montreal) together with Galerie Dentaire started this amazing initiative for the cause trough Art called ARTSIDA. Emergent and established artist are called to contribute with one piece to the event. An exhibition at the gallery and an auction at the Museum of Contemporary Art are the end result.

This year I am proud to be a part of the select group of artist, and I have to say that the quality of the work is very high and diverse in style. I was specially amazed by the work of Daniel Barkley and Adéle Blais, but there are many more great pieces of art to see and of course to buy.

ARTSIDA is an amazing way to contribute to the cause because you can both get involved in an issue of social justice and appreciate art. ARTSIDA is not about just giving a little money but about learning how to care.  For me, it has been a great way to renew my commitment to this cause that is so dear to me.

I hope o see you either tonight on the opening or on the following days visiting the exhibition.

OPENING APRIL 20TH AT GALERIE DENTAIRE (1239 AHMERST, MONTREAL)

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VOKURO

Vokuro by Bjork

My farm

my farm and yours
sleeps happily at peace
falls snow
silent at dusk on earth
my grass
my grass and yours
keeps the earth til spring

Nesting spring
hid at the hill’s root
awake as are we
faith in life
quiet cold spring
eye of the depths
into the firmament
staring still in the night

Far away
wakes the great world
mad with grim enchantment
disquieted
fearful of night and day
your eyes
fearless and serene
smile bright at me

My hope
your blest smile
rouses verse from sleep
the earths rests
silent in arms of snow
lily white
closes her blue eyes
my little girl

The Big Creative Portrait Contest

 

I’m happy to announce that I’m joining forces with 3 amazing artists to give away 3 individual portraits to my fans.  Painter Daniel Barkley, craftswoman and doll maker Cara Carmina and costume maker Yvan Castonguay.

 

I’ve chosen them for their amazing talent, but also for their distinctive taste and style in their work. In the first part of this project they will pose for me so I can make a portrait of them integrating elements of their style.  I will publish some of this work as soon as I have it so you can take a peek of what your portrait will look like if you are the winner.

These artists and theses experiences will help me shape the portraits of the winners. I will do one portrait using elements of the style of each of these artists with the winners of the contest. That is, I will do one portrait using Cara’s style, or Daniel’s.  The big challenge will be to adapt their style to make portraits of the 3 lucky fans. Cara, Daniel and Yvan will also help me determine the winners.

What will you get if you win: Of course an awesome portrait! But to be more precise, you will get a great photo shooting with me, that includes the make-up and the styling. It will be a simple image, intimate, creative and for sure beautiful (You will be in it so for sure will be beautiful). At the end you will get a small print of your image and a digital file that you can share with your friends and loved ones.

 

The contest is very simple. To be eligible you have to:

 

1.- You have to live or be able to be or come to Montreal between February and March. I’m still not able to take pictures by telekinesis and taking pictures of you trough skype doesn’t seem like a good idea.

 

2.- Please LIKE my page (if you haven’t) and SHARE this contest on your wall and with your friend (You have to do both).

3.- In a brief message tell me who is your favorite character from a work of art (it can be a play, a film, a book, a painting, etc. TV characters are excluded.  You can either make it as a comment on my wall or send me an inbox message, your choice!

Remember its brief, you don’t have to write a novel here, just one or two paragraphs.

The deadline to submit is the 12 of February 2013. Winners will be announced the 15 of February.

Be sure to check the work of my invited artist:

 

www.danielbarkley.com

www.caracarmina.com

www.facebook.com/ygcastonguay

ARE YOU WOMAN ENOUGH TO COMPETE?

The controversy about female athletes being feminine enough to compete with other women strikes again. This year with the resolution of the International Association of Athletics Federation (IAAF) to test for testosterone levels.
The measure has resulted in female athletes undergoing hormone therapy or even surgery in extreme cases.

Opposition to this measure proclaims that testosterone levels are not enough to decide if woman has an unfair advantage for being to manly.
I would add that as long as there is no exterior enhancing substances the levels of testosterone shouldn’t be a problem, as the IAAF doesn’t plan to ban women from competing for being too tall or having large feet.

I think there’s also the tacit assumption that women cannot be better than man when it comes to sport (and of course we are speaking amongst elite athletes). Once a woman passes the threshold of being better than a man, stronger or faster than she should be disqualified for not being feminine enough.
I wonder if the contrary could happen… would men that are too feminine would be ban from competing at… lets say… gymnastics… does he have an advantage for being to graceful… Will the IAAF test male athletes for levels of estrogen?

You can read more about the subject on Stephanie Findlay’s comprehensive article.

http://www.thestar.com/sports/london2012/article/1205025–olympics-struggle-with-policing-femininity

I would love to read your opinion on the subject.

A seeker of true Beauty: an interview with editorial retoucher Helga Vandersluys

 

 When I saw Montreal based, Helga Vandersluys’ flawless retouching I was truly inspired and when I heard her story I was even more since she had the courage to change her life and follow her passion. I felt that there was a lot to learn from this remarkable professional from the editorial and beauty industry.
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Photos: Mike Ruiz
*
DS: What drew you into postproduction?
*
HV: My interest in photography as a hobby was my first introduction to using photoshop.  I enjoyed playing around with the software, took classes and read everything I could absorb in order to improve my skills and learn more.  Once I touched upon skin and beauty retouching I very quickly got hooked on this process.  When I was young, I loved to colour and when I’m working an image it brings about that same feeling of doing something I loved as a child. It may sound cliché but it was truly a situation where I found something I loved to do and was motivated enough to try and turn that passion into a career for myself.
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DS: What are the optimal conditions to receive an image file from a photographer?
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HV: A clean, sharp, well composed RAW image, in the highest possible resolution with impeccable lighting for starters.  Beyond that, beautiful styling, amazing make up and hair would be high on my wish list. Most importantly though, you want to see the photographer’s skill, unique creative style and vision shining through loud and clear even before putting a pen to a pixel, so to speak.  I believe this is what ultimately sets the tone for a successful end product.
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DS: What kind of information do  you need from photographers to understand how you will approach their images?
*
HV: I feel it’s imperative that the photographer impart on the retoucher a clear idea of what they envision for the final image.  How they convey that vision to me can vary but it’s always helpful to have references even if it’s a general idea of the level of colour, lighting and detail that I should aim for.  Much as on a movie set the photographer is the director of a team of people which includes the retoucher.  Even though I am not necessarily present on set I do need to be given guidelines.
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DS: Can you describe briefly your process?
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HV: I’ll start by saying that no two images are ever retouched in the exact same way, even in a series shot in the same conditions. There will be differences in the approach I take depending on the desired end result.  However, there are certain steps done in a particular order that are consistent for the most part. Initial adjustments to the RAW file can include exposure, white balance revisions and subtle colour changes. Once imported into photoshop I usually start with any background fixes and removal and/or changes to elements that are obvious distractions.  Then it’s on to finer adjustments, clean ups to skin, hair and clothes. I work with colour, shading and lighting using many different methods and groups of adjustments layers.  Over time I’ve worked out recipes that work for me as far as getting the result I’m looking for. I do a lot of masking and painting to apply techniques selectively.  It’s crucial to keep each part of the process on separate layers and adjustable for edits later on.  Once I feel it’s complete I try to take a small break away from the image and go back to it with fresh eyes to do a final close up check for details and adjustments before sending off for comments.
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DS: How did you start working with celebrity photographer Mike Ruiz?
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HV: Mike is from Montreal, and a close friend since childhood.  He moved to the US when we were younger but we still kept in touch and I was thrilled for him when he achieved such success as a photographer.  When I first expressed an interest in retouching he was very helpful, giving me advice and letting me practice on some of his fabulous images early on. Over time, we developed a working relationship that has led to this point.  His motivation and support have been invaluable to me and being able to doing something I love, with Mike, whose images are obviously an inspiration and with whom I have a personal connection has been incredibly rewarding, not to mention fun!
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DS: Do you think you have a style of retouching or do you adapt completely to your clients?
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HV: Working so closely with Mike, my style has certainly developed in correlation with the type of images he is most known for which are very high impact and surreal.  That being said, it’s important for any professional to be able to vary their workflow in accordance with a client’s needs and I do strive towards being able to adjust for what’s required. In addition, I am constantly reviewing my techniques, finding different ways to do things and of course scouring ads and magazines to keep up to date and current.
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DS: What are your thoughs on enhancing the bodies of models and its social impact on self confidence?
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HV: Postproduction work on images has been around for a very long time, and I realize that retouching today is a topic that is subject to much debate.  It’s fair to say that I am part of a huge industry that perpetuates unrealistic images of the human body, but it’s very much a question of supply and demand.  You have to question whether retouchers are simply conveyors of existing social expectations of beauty or indirectly, shapers of them.  As a professional I do what is requested by my client. Personally, I feel it’s very important to educate young people to be as objective as possible.  I have a pre-teenage daughter, and I’ve done workshops at her school to talk about what I do.  They need to understand that absolutely all images in the media, whether of people, food or other products are to varying degrees, fake and meant to sell them something.  What they see should not be considered a realistic projection of what they should look like, in the same way that they would never expect the burger at a fast food restaurant to look like it does in the ads.  As real humans, there is beauty in our flaws and for young girls I think a little self acceptance goes a long way towards building a stronger self esteem.
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DS: Any basic rules/ advice for beauty retouching?
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HV: For beauty retouching, the usual mandate is “flawless but real”.  In reality, this is rather contradictory, because few images or people are really flawless.  In a sentence, I’d say beauty retouching for a polished result involves a very detailed effort in order to create a fine balance between achieving smooth, even tones while honouring the existing texture as well as staying true to the highlights, mid-tones and shadows to create a final product with that cover look.

RECAUDACIÓN DE FONDOS PARA EL PROYECTO DANCE, DANCE OR WE ARE LOST

Dance, Dance, or we are lost

Que inspiró el proyecto

 (Apoye nuestro proyecto aquí)

Hace algunos años descubrí que tenía fibromialgia, lo cual significa que el 90% del tiempo me siento como si tuviera gripa. Algunos días me siento como si un camión me hubiera pasado por encima. Otros días es más ligero y me siento como el día antes de recuperarse. Hubo un momento de mi vida en el que podía realizar solamente el 20 de las actividades de cuando estaba sano. Ahora estoy en camino a realizar un 70 %. ¿Qué es lo que me salvo? La perseverancia, el amor, pero aún más fue la pasión por el arte lo que me inspiró a luchar por estar mejor.

 

“Dance, Dance, or we are lost” es una metáfora para decir no te des por vencido! concéntrate sobre las cosas que te apasiona hacer para superar la enfermedad y los obstáculos en tu camino. Éste es el regalo que mi equipo y yo queremos dar al mundo: inspiración para aquellos que pasan por la misma situación, pero además sensibilizar a la gente con respecto a esta enfermedad crónica que se sospecha afecta entre el 2 y el 5 % de la población mundial.

 

“Dance, Dance, or we are lost” será un video de nueve minutos que a través de la danza representará las diferentes etapas necesarias para superar o para estar en paz con la enfermedad, incluyendo: los primeros síntomas, la batalla y la frustración y finalmente encontrar el equilibrio y a si mismo.

 

Tres bailarinas excepcionales interpretaran a través de la danza contemporánea personajes relacionados con la enfermedad: el personaje principal es el paciente. Los otros dos son síntomas de la fibromialgia. Queremos explorar la compleja relación que se forma entre los tres durante las diferentes etapas. El video tendrá una estética tenebrista iluminando los personajes en claroscuro.

 

Conozca al equipo

 

Los artistas implicados tienen largas carreras exitosas. Por mi parte puedo decir que durante los últimos años he ganado algunas becas y concursos como el Premio del Público Scotia Bank- Art Souterrain 2010 en Montreal. He expuesto en galerías y museos de México, España, Paris, Nueva York (Fundación Gabarrón), Washington D.C. (Museo de Arte de las Américas) y en Canadá. También he realizado las últimas dos campañas del Grands Ballets Canadiens de Montreal y he trabajado con coreógrafos reconocidos internacionalmente como Sidi Larbi Cherkaoui y Margie Gillis.

 

Para este proyecto estoy colaborando con un grupo de artistas con mucho talento: las bailarinas, Roxanne Duchesne-Roy, Merryn Krytzinger y Susan Paulson, que trabajan actualmente a la compañía Cas Public y hacen proyectos independientes a través de su colectivo de arte “The Broke Lab”. Las tres bailarinas son increíblemente talentosas, con una técnica refinada y una personalidad generosa.

 

También colaboro con el talentoso videasta  Jeff Blanchett y el diseñador de vestuario Yvan Castonguay, que trabaja actualmente con el aclamado Circo del Sol.

 

Tenemos el Talento, nos hace falta los medios

Para “Dance, Dance” queremos concentrarnos sobre los elementos esenciales, el talento de los artistas, como herramienta principal para hacer un proyecto artístico exitoso. Como quiera hay otros elementos básicos sin los que no podríamos realizar la producción.

 

Su contribución nos dará la oportunidad de pagar el material técnico necesario para realizar la filmación como la cámara y la iluminación. Nos ayudará igualmente a pagar los materiales y la confección de los vestuarios. Dado que la mayoría de los artistas estamos colaborando de manera gratuita, hemos decidido de invertir nuestro presupuesto en los mejores  materiales que podamos conseguir.

 

En el caso de los fondos recolectados sobrepasen nuestro  presupuesto inicial estos seran repartidos proporcionalmente entre los artistas organizadores para apoyar otros de sus proyectos. Usted no solamente financia un proyecto artístico, sino que da trabajo a varios artistas.

 

Si lo contrario sucede y no alcanzamos a reunir el presupuesto, sólo tendremos que reajustar nuestras expectativas, pero seguiremos adelante con el proyecto. Estamos comprometidos al 100 % y apasionados con el arte y con el proyecto. Esperamos que ustedes se entusiasmen tanto como nosotros.

 

Lo que su apoyo realmente hará!

 

Sus contribuciones a “Dance, dance” hará una gran diferencia sobre la estética del video y sobre el resultado final. La mayoría de los colaboradores donan su tiempo porque creen en el proyecto, sin embargo aún tenemos que pagar el material, el espacio para filmar, los materiales, etc. Al final lo que estás haciendo es ayudarnos a sembrar la esperanza y a sensibilisar al público.

 

Mahatma Gandhi dijo: “Se el cambio que quieres ver en el mundo”. He aquí tu oportunidad de hacer algo concreto que tendrá de resultados casi inmediatos y beneficios de larga duración!

 (Apoye nuestro proyecto aquí)

Otras maneras de ayudar

Si en este momento te es imposible dar una aportación económica no es el fin del mundo; siempre hay una manera de ayudar. Simplemente compartir esta petición es una gran ayuda, tal vez uno de sus amigos deciden invertir en nuestro proyecto.  Una manera fácil es utilizar las herramientas para compartir de INDIEGOGO o compartiendo el lazo: www.indiegogo.com/dancedancefilm. Estaremos muy agradecidos con ustedes.

¿Debería el arte ser difícil?

Por Christelle Proulx

El pasado 9 de diciembre, en el diario británico The Guardian, un artículo presentaba una afirmación del artista Anselm Kiefer que proclamaba: “El arte es difícil, no es entretenimiento”[1].  Esta afirmación es impactante y nos pide reflexionar sobre el arte y su recepción, especialmente en el caso del arte contemporáneo que tiene la reputación de ser inaccesible al público general.

Anselm Kiefer es sin duda un gran artista. Incluso podría decir que es uno de los artistas que me inspiró a realizar mis estudios de posgrado en Historia del Arte después de su exposición individual en el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal. En el 2006, “Heaven and Earth” fue una exposición rica en interpretaciones.  Recuerdo haber pensado que las explicaciones proporcionadas por la guía estaban un poco tiradas de los cabellos. El hecho de que una de sus piezas pertenezca al Museo de Louvre es una de las marcas más importantes de la legitimización de su obra en el mundo del arte. Es muy probable que esto sea un factor del porque su afirmación es de carácter delicado, viniendo ésta de un artista tan influyente.

Tuve la impresión de haberme encontrado con las creencias elitistas de antaño del crítico de arte americano Clement Greenberg, escritas en su ensayo clásico “Avant-Garde and Kitsh”[2], en el que posiciona el entretenimiento en la misma categoría que el kitsh, la pobreza y la falta de educación; en oposición al verdadero arte, el arte de la vanguardia difícil y hecho para la gente rica y educada[3].

El arte no puede posicionarse en oposición al entretenimiento. Hay un espacio de convergencia entre ambos, y lograr discernir que parte pertenece a cada cual es extremadamente difícil. Realmente no creo en ese tipo de oposiciones firmes; prefiero ver el arte como un concepto en forma de constelaciones, con contradicciones que coexisten y convergen, que se complementan y se desafían unas a las otras. De cualquier manera, si el arte debe ser difícil, es probablemente con el propósito de hacerlo eficaz en la contribución de nuevas ideas sobre si mismo y sobre la vida. Como quiera, si sólo unos cuantos tienen acceso a esas ideas a causa del hermetismo de las obras, el arte solo existe como un pasatiempo intelectual que requiere de tiempo, pero no tiene impacto sobre la vida porque no interesa al público.

Las obras de arte deberían ayudar al público a entender lo que intenta comunicarles. Sin sobre simplificar, debe dar pistas de las ideas que propone. Para mi hace sentido que el arte deba ser difícil porque su importancia reside en su capacidad de hacernos reflexionar. El arte debe exigir al público de tomar un rol activo en la interpretación, en lugar de uno pasivo.

El valor artístico no es intrínseco a la obra,  éste se produce a través de un sistema complejo  que incluye personas que poseen visiones y valores muy diferentes: historiadores, críticos, artistas, museos, coleccionistas de arte, amantes del arte, etc.  No hay un Arte único, sino mas bien hay las Artes. Creo firmemente que el arte debe contener una parte de complejidad, aunque esta parte podría ser menor sin que la obra pierda sus estatus de arte, sin convertirse en “anti-arte” como afirma Kiefer. Las fórmulas fáciles que son cautivantes visualmente sin abrir la puerta a mucho más, sean éstas la provocación gratuita o el esteticismo vacío, forman parte del arte. El Arte, sin ofender a los puristas, no es y no puede ser “puro”.

Si el arte fuera fácil, la reflexión sobre el mismo no tendría razón de existir. Entonces, en ese sentido, debería requerir un cierto esfuerzo. ¿Debería acaso la obra misma ser difícil? No lo creo. ¿Debería serlo la práctica artística? Tal vez sí. Pienso que ésta necesita de un trabajo de investigación profunda. ¿Y qué hay de la interpretación del arte en general y de las obras de arte en específico? Esto parece ser el punto crucial. Ésta debería de requerir un esfuerzo del público de reflexionar sobre el significado de la obra.

Si el Arte, cualquier arte, es tan hermético que toma años en derivar un poco de significado, habría sólo unos cuantos historiadores para los cuales el arte sería significativo. Ésta es una opción un tanto limitada. El Arte,  desde mi punto de vista, debería ser multifacético. El valor artístico parece residir en la variedad de posibles interpretaciones, llamado polisemia. El Arte accesible y el Arte hermético tienen su lugar, pero definitivamente me inclino por la mayor accesibilidad posible, sin caer en la simplicidad desprovista de cualquier sentido crítico. Hacer accesible el lado crítico del Arte me parece una meta digna de alcanzar.a. ¿Y qué hay de la interpretaci quèegaciser “puro”.ma Kiefer. Las frse en s muy diferentes: historiadores, crsatiempo intelectu


[1] Escrito por Alex Needham. Puede encontrar el artículo en este lazo: http://www.guardian.co.uk/artanddesign/2011/dec/08/anselm-kiefer-art-white-cube

[2] Publicado en 1939 en Partisan Review.

[3] Al igual que Kiefer en el artículo, Greenberg oponía el arte “verdadero” a los “productos”. Si es cierto que el mercado puede pervertir la concepción del arte, como cuando Kiefer afirma “comprar arte no es entenderlo”. Este punto requiere de extensa reflexión que no puedo abordar aquí, pero es importante mantener en mente.

Ofelia, mi amor

Recuerdo bien cuando empezó mi fascinación por la pintura de los Prerrafaelistas. En el 97 visité a mi hermano en la Ciudad de México y en su cuarto tenía un póster de Hilas y las ninfas del pintor J.W. Waterhouse. A partir de ese momento ha sido una referencia constante en mi trabajo, incluso en la definición de mis personajes y en la manera de diseñar los maquillajes.

El personaje de Ofelia es recurrente y esencial en la narrativa de la pintura victoriana, que en general recupera historias de la literatura inglesa, la mitología de la corte Arturiana y la griega también. Ofelia aparece originalmente en la obra de teatro Hamlet de William Shakespeare. Tal vez la representación más conocida del personaje en pintura es la del pintor Millais, que la muestra muerta en un río con sus manos al aire.

Ofelia, como muchos de los personajes femeninos en el contexto histórico del arte y de la literatura está condenada a ser víctimas de su propia fragilidad, de su belleza y de su inocencia. Como es bien sabido Ofelia se suicida ahogándose, después de perder la razón al confrontarse con la muerte de su padre y el fingido rechazo de Hamlet.

Una de las grandes riquezas del arte del periodo victoriano es que resume los paradigmas negativos que limitan la construcción de nuevas identidades femeninas. En el caso de Ofelia, imaginada en la plenitud de su adolescencia representa la transición entre virgen y mujer enloquecida. Una transición que en aquella época era considerada como natural en el caso de que la mujer fuera corrompida por el despertar del deseo sexual.

Para la sociedad victoriana la muerte representaba un castigo justo a la sexualidad femenina y una especie de prevención para preservar la pureza de la virginidad y de la infancia. Los valores de la época, e incluso la ciencia (confirmado en las teorías de Darwin), proponían las mujeres como seres prácticamente asexuales y completamente desinteresados por los placeres carnales. Estas ideas se correlacionan directamente con la gran cantidad de prostitutas en la Inglaterra del siglo XIX y en la invención de la histeria como un diagnóstico a la frustración sexual femenina (porque pos supuesto era innatural que una mujer tuviera tales deseos).

La imágenes creadas por los artistas victorianos exploran algunos de los simbolismos más interesantes de la época. Las flores como alusión al despertar sexual y el agua como elemento femenino y transformativo. Las mujeres representadas en su trabajo parecen libres de represión social, sin embargo ésta aparece con frecuencia a través de la narrativa de los cuadros.

Ofelia es sin duda de mis personajes favoritos por la abismal dicotomía entre la belleza de sus representaciones y lo oscuro de su moraleja social en relación a la condición femenina.

Imágenes:

1) Lili acuática (Ofelia). Modelo:  Liliana Alarcón. 2005.

2) Que si muero sea de amor. Modelo: I. Franco. 2005

3-4) Ofelia. La paradoja de su propia reflexión. Modelo: Merryn Kritzinger, 2010.

Pada ver más imágenes de click aquí

Annie Leibovitz AT WORK

Annie Leibovitz es sin duda una de las artistas que ha dado forma a la manera en la que vemos el mundo a través de las imágenes. Su portafolio está lleno de imágenes icónicas que quedaran por siempre en nuestra memoria y en la Historia.

At Work es un libro en la que ella cuenta su historia con la fotografía y escribe algunas anécdotas en las que analiza la manera en que realiza sus imágenes, incluyendo algunos aspectos técnicos.

¨Mientras que es verdad que el arte de la fotografía depende en saber utilizar la cámara al máximo de sus habilidades, también es cierto que no saber lo que estas haciendo es una condición temporal y no necesariamente incapacitante. Aprendes trabajando y siempre puedes pedir consejo.¨ Annie Leibovitz

http://www.amazon.ca/Annie-Leibovitz-at-Work/dp/0375505105

Photographer Guillaume Simoneau exhibits at la Place des Arts

(starting this 29 of March at la Place des Arts, 1600 St-Urbain)

Guillaume seems to control natural light at his will; and in this sense he shed light on the subjects that interest him. Might it be an awkward object or a compelling character we are able to discover its humanity.

One of the things I love about Guillaume’s images is that most of the action seems to happen in the characters heads, we see them thinking and feeling, they seem to be wrapped in their world while they unravel inside.

With a great array of topics is his treatment of social issues and his sensibility that are the most touching and memorable.

This is what Guillaume has to say about his work and this new exhibition:

On his style:

I would describe my styles as Post-documentary with an incline for substance.

On the exhibition:

For the ARTV studio exhibition I’m presenting work taken with a large format camera, half way between my commercial and my personal work.

 On his passion for photography:

Photography arrived to my life trough a life-changing accident while I was in college (CEGEP). I was running late for my class and I collided with a girl that was going the opposite way. She was going out of the dark room with her material and I ended up soaked in developing chemicals. We ended up having a short conversation on photography and my life changed.

What makes me be passionate about photography is its narrative power, linear or not, of a group of images; using photography as a mean of communication, for dialogue and argumentation.

http://www.7578.com/guillaume/

Photographer Jocelyn Michel exhibit at la Place des Arts

(Starting this 29 of March at la Pace des Arts, 1600 St- Urbain)

Jocelyn Michel is a photographer that has a piercing eye; a spear like way of looking that bares the souls of his subjects. When I look at his images all trace of pretentiousness is gone and only the essence of the depicted is left.

Even his elaborate staged images have this sense of finding a deeper truth and with it beauty and simplicity.

All the elements of the image seam to work in perfect harmony, so it is hard to see anything stand out right away. But a closer look will show flawless lighting skills, amazing model direction and an ever curios mind about photography.

 

This is what Jocelyn has to say about his work and this new exhibition:

On his style:

I’ve always loved to create the image with madness, sarcasm, and dark humor along with 3 sticks of dynamite.

 On the exhibition:

I’ll be presenting mises en scènes from my “Admission” project, which was set in motion in 2005 with the generous participation of 50+ Quebec on-screen actors & actresses.

 On his passion for photography:

I love the process of letting my imagination run completely free & uninhibited and then letting the left side of my brain make order of it to create something both as absurd as tangible

http://www.7578.com/jocelyn/

 

Descubre al talentoso Kevin Beverley, artista de circo.

Kevin Berverley es un artista de circo con corazón de bailarín. Un acróbata de vanguardia cuyo más grande talento es  hacer que te olvides de la técnica necesaria para realizar su número sobre el trapecio con sus increíbles y emotivas interpretaciones.

Los invito a descubrir su nuevo sitio en el que encontrarán algunos vídeos increíbles!

Comienza aquí!

The credits of The Girl with the Dragon Tattoo

I would like to share with you the work of Onur Sentruk, who did the credits for The Girl with the Dragon Tattoo. He has an amazing aesthetic worth while discovering.

Onur Sentruk: “July 2011 Blur studio invited me to design opening titles for The Girl with the Dragon Tattoo.
I started illustrating Tim Miller written, David Fincher approved vignettes. Later on moved to typography, opening logo reveal. Collaborative process took almost three months to complete”

Discover his work here.

 

Antiguo Nuevo Mundo

En esta serie quise mezclar dos influencias que normalmente no van juntas: las imágenes sensuales de la pintora Art Deco Tamara de Lempicka y las representaciones futuristas de Isaac Asimov.

Me gusta mucho como las visiones que tuvimos del pasado de como se verá el futuro siempre hay un lado extremadamente sofisticado y una contraparte con influencias tribales y primitivas. The Matrix, Aeon Flux e incluso Blade Runner son buenos ejemplos de esto.

El estilismo de moda debía reflejar esto. Hay una presencia fuerte de la estética de Tamara proveniente de la moda de los años 1940, sin embargo los accesorios tienen un lado antiguo y pesado. El estilismo es una mezcla muy bien equilibrada entre la sofisticación y texturas rígidas y suaves.  El traje de baño de VAWK (Sunny Fong) es increíblemente sofisticado con líneas depuradas.  Los vestidos mezclan telas fluidas con otras más rígidas como la piel.

En este proyecto fui mu afortunado de trabajar con gente muy talentosa: Sarah Laroche (Estilista), Stephan Côte (Maquillaje), Fred Bélanger  (Peinado), Marie-Éve Warden (Modelo),  Béranger Zyla (1er asistente).

Descubre la serie completa en mi portafolio de moda!

Martha

Esta imagen habla, en un primer nivel de interpretación sobre la relación entre dos mujeres. En un nivel más profundo habla sobre las diferentes formas de presencia que una persona puede tener: estar en físicamente en un lugar, a través de una imagen, un reflejo, en la memoria de alguien o incluso en una sombra.

Está imagen es de mi obra del 2005. En este momento estaba realizando mi maestría en México. Recuerdo que me tardé un año en hablarle a la modelo hasta que logré tener una clase con ella. Marta siempre me llamó la atención por tener una cara tan única y bella.

 

Entrevista con Paloma Martínez de Radio Canadá para el programa para el programa de radio Canadá en las Américas. La entrevista es sobre mi instalación artística La Travesía de las Flores en el festival Art Souterrain de Montreal.

ESCUCHA AQUÍ